Ton, Steinzeug, Porzellan: die Materialien

Keramik ist der Oberbegriff für alle gebrannten Tonwaren. Innerhalb dieser Klasse unterscheiden sich die Materialien erheblich. Irdenware (auch Terrakotta) ist der einfachste Typ: poröser, bei niedrigen Temperaturen gebrannter Ton. Steinzeug brennt bei höheren Temperaturen (1200–1300 °C) und wird dabei wasserundurchlässig – das Material der meisten zeitgenössischen Studiokünstler. Porzellan ist das dichteste und feinste keramische Material: weißer Kaolin, bei bis zu 1400 °C gesintert, transluzent in dünnen Wandungen. Die ostasiatischen Hochkulturen entwickelten Porzellan als erstes; nach Europa kam es im 18. Jahrhundert – zunächst als Staatsgeheimnis von Meißen (1710), dem ersten europäischen Porzellanmanufaktur-Standort.

Ost und West: zwei Keramiktraditionen

Die Geschichte der Keramikkunst ist ohne den ostasiatischen Beitrag nicht zu schreiben. Die chinesische Song-Dynastie (960–1279) produzierte Steinzeuge von einer formalen Strenge und Glasurqualität, die in Europa erst im 20. Jahrhundert wieder erreicht wurde. In Japan entwickelte sich im 16. Jahrhundert im Zusammenhang mit der Teezeremonie (Chado) eine Ästhetik des Unvollkommenen: Wabi-Sabi – der Reiz des Unregelmäßigen, Asymmetrischen, durch Zeit und Gebrauch Geformten. Raku-Ware, handmodelliert und mit Feuerkontakt gebrannt, wurde zum Inbegriff dieser Haltung. Britische und amerikanische Studiokünstler des 20. Jahrhunderts – allen voran Bernard Leach (1887–1979) – rezipierten diese Tradition und begründeten damit die moderne Studiokeram ik des Westens.

Vom Gebrauchsgegenstand zur Skulptur

Die Frage „Ist Keramik Kunst oder Handwerk?" wurde in den 1950er und 1960er Jahren in den USA programmatisch aufgebrochen. Peter Voulkos (1924–2002) zerschnitt und stapelte gedrehte Gefäße zu expressionistischen Skulpturen; Paul Soldner (1921–2011) entwickelte das Raku-Verfahren als künstlerische Praxis weiter. Die Keramik löste sich vom Funktionsobjekt und trat in den Dialog mit Skulptur, Malerei und Konzeptkunst. In Europa verlief die Entwicklung ähnlich: Lucie Rie (1902–1995) und Hans Coper (1920–1981) schufen in London Gefäße von skulpturaler Klarheit, die heute in Museen neben Gemälden hängen.

Zeitgenössische Keramik

Seit etwa 2010 erlebt Keramik einen Boom – in Galerien, auf Messen, in Sammlungen. Grayson Perry (*1960) erhielt 2003 als erster Keramiker den Turner-Preis; seine großformatigen Vasen sind mit narrativen Bildprogrammen über Klasse, Gender und britische Identität überzogen. Die dänisch-isländische Künstlerin Pernille Pontoppidan Pedersen (*1964) und die Südkoreanerin Kwon Hyunjoong (*1976) repräsentieren eine internationale Szene, die Keramik als vollwertiges skulpturales Medium begreift. In Deutschland hat die Hochschule für Bildende Künste in Hamburg sowie die Burg Giebichenstein in Halle starke Keramikprogramme; der Markt für zeitgenössische Studiokeram ik wächst. Art Basel und Frieze zeigen regelmäßig Keramik neben Malerei und Skulptur.

Keramik kaufen und sammeln

Keramik ist eines der zugänglichsten Sammelgebiete: Arbeiten junger Künstlerinnen und Künstler beginnen häufig unter 1.000 Euro; das obere Ende reicht für historische Meisterwerke in Millionenhöhe. Worauf beim Kauf zu achten ist: Risse, auch feine (Haarrisse/Craquelé), sind bei glasierter Ware oft materialbedingt und kein Fehler – sofern sie gleichmäßig sind. Ausbrüche und Klebespuren mindern den Wert erheblich. Wichtig für Sammler: Provenienz und Brenndokumentation; gute Galerien und Künstler geben diese Informationen mit. Keramik braucht keine besondere Klimatisierung, ist aber stoßempfindlich und nicht für direkte Sonneneinstrahlung geeignet.

Keramik und die japanische Reparaturkunst Kintsugi

Kintsugi – das Reparieren gebrochener Keramik mit Goldlack – stammt aus dem Japan des 15. Jahrhunderts und ist heute eines der bekanntesten ästhetischen Konzepte der Welt: Der Bruch wird nicht verborgen, sondern betont. Die Reparatur gehört zur Geschichte des Objekts. In der zeitgenössischen Kunst und im populären Diskurs ist Kintsugi zur Metapher geworden – für Resilienz, für die Schönheit des Unvollkommenen, für das Annehmen von Verlust. Als Handwerkstechnik ist Kintsugi anspruchsvoll und wird von spezialisierten Restauratorinnen und Restauratoren ausgeführt.