Vom religiösen Zeichen zur eigenständigen Gattung

Im Mittelalter tauchten Selbstdarstellungen vor allem in religiösem Zusammenhang auf, etwa als kleine Stifterfigur am Bildrand oder als verstecktes Zeichen der Verbindung des Künstlers zu seinem Schöpfer. Mit der Renaissance änderte sich das grundlegend: Begünstigt durch die Verbreitung von Glasspiegeln und ein neues Selbstbewusstsein des Künstlerberufs wurde das Selbstporträt zu einer eigenständigen Bildform, in der Künstlerinnen und Künstler nicht nur ihr Aussehen festhielten, sondern auch ihr Selbstverständnis, ihren gesellschaftlichen Anspruch und ihre innere Verfassung zum Ausdruck brachten – ein Schritt, der die Gattung bis heute prägt. Schon 1433 hatte Jan van Eyck mit dem oft als Selbstbildnis gedeuteten „Mann mit rotem Turban" – einem Tafelbild mit der rätselhaften Inschrift „Als ich kann" – einen frühen Höhepunkt individualisierter Porträtkunst geschaffen, der diese Entwicklung entscheidend vorbereitete.

Dürer und die Inszenierung des Künstlers als Intellektueller

Albrecht Dürer zählt zu den ersten Künstlern, die sich wiederholt und bewusst selbst porträtierten – im Lauf seines Lebens entstanden sechzehn Selbstbildnisse in unterschiedlichen Techniken und Kompositionen. Sein „Selbstbildnis im Pelzrock" von 1500, heute in der Alten Pinakothek in München, zeigt ihn in einer für weltliche Porträts höchst ungewöhnlichen Frontalansicht, die bewusst an die Ikonografie Christi als Salvator Mundi erinnert – ein selbstbewusstes Bekenntnis zur Würde des Künstlerberufs.

Rembrandt: Das Selbstbildnis als Lebensspur

Rembrandt van Rijn schuf im Lauf seines Lebens mehr als neunzig Selbstporträts in Malerei, Radierung und Zeichnung – ein einzigartiges gemaltes und gezeichnetes Tagebuch, das seine künstlerische Entwicklung ebenso dokumentiert wie sein persönliches Altern, von der selbstbewussten Pose des jungen Mannes bis zu den von Falten und Lebenserfahrung gezeichneten Spätwerken. Kaum ein anderer Künstler hat sich selbst über einen derart langen Zeitraum so unbestechlich beobachtet und festgehalten. Auch Artemisia Gentileschi nutzte das Selbstporträt strategisch: In ihrem um 1638/39 entstandenen Bild „Selbstbildnis als Allegorie der Malerei" inszenierte sie sich selbst als Personifikation der Kunst und behauptete damit zugleich ihren Anspruch als Malerin in einer von Männern dominierten Zunft.

Frida Kahlo: Schmerz, Identität und Selbstbefragung

Im 20. Jahrhundert machte die mexikanische Malerin Frida Kahlo das Selbstporträt zum Zentrum ihres Schaffens: Rund 55 ihrer etwa 143 Gemälde zeigen sie selbst – meist mit unbewegter Miene, umgeben von Symbolen aus Natur, Mythologie und ihrer eigenen Lebensgeschichte, geprägt von einem schweren Unfall in ihrer Jugend und gesundheitlichen Leiden, die sie ein Leben lang begleiteten. In Werken wie „Die zwei Fridas" (1939) oder „Selbstbildnis mit Dornenhalsband und Kolibri" (1940) verdichtet sie körperlichen und seelischen Schmerz, Herkunft und Identität zu einer unverwechselbaren Bildsprache. „Ich male mich selbst, weil ich mich am besten kenne", sagte sie einmal – ein Satz, der das Selbstporträt als Werkzeug der Selbsterkenntnis auf den Punkt bringt und bis heute viele Künstlerinnen und Künstler inspiriert.

Cindy Sherman: Inszenierung statt Abbild

Die US-amerikanische Fotografin Cindy Sherman dreht das klassische Selbstporträt seit den 1970er-Jahren gewissermaßen um: In ihren berühmten „Untitled Film Stills" und späteren Serien tritt sie zwar selbst vor die Kamera, doch nicht um sich selbst zu zeigen, sondern um in immer neuen Rollen, Kostümen und Maskeraden gesellschaftliche Frauenbilder und mediale Klischees sichtbar zu machen. Ihr Werk gilt als Meilenstein der konzeptuellen Fotografie und zeigt, wie sich das Selbstporträt von der Suche nach dem „wahren Ich" hin zu einem Werkzeug der Gesellschaftsanalyse wandeln kann. Auch heute greifen zahlreiche Fotokünstlerinnen und Fotokünstler Shermans Strategie der Selbstinszenierung auf, um Fragen von Identität, Geschlecht und medialer Repräsentation jeweils auf eigene Weise neu zu stellen.

Das Selbstporträt heute: zwischen Atelier und BK.net

In einer Gegenwart, in der das Selfie zum alltäglichen Massenphänomen geworden ist, gewinnt das künstlerische Selbstporträt seine Bedeutung gerade aus dem Unterschied: Es nimmt sich Zeit, reflektiert Körper, Identität und Lebensgeschichte und sucht nach einer eigenen Bildsprache statt nach schnellem Beifall. Auf BK.net lassen sich Selbstporträts von Künstlerinnen und Künstlern entdecken, die diese alte Gattung mit unterschiedlichsten Techniken – von klassischer Malerei über Zeichnung bis zu Fotografie – für die Gegenwart neu befragen und ihr eigenes Bild von sich selbst entwerfen. Schon Vincent van Gogh hatte während seiner Jahre in Paris und Arles weit über dreißig Selbstporträts geschaffen, in denen er mit Farbe, Pinselführung und Blickwinkel experimentierte – ein eindrucksvoller Beleg dafür, wie viel Raum zur Selbstbefragung in diesem scheinbar einfachen Bildtyp steckt.