Der lange Streit um den Status

Als Louis Daguerre 1839 das Daguerreotypie-Verfahren öffentlich vorstellte, reagierte die Kunstwelt mit Skepsis: Wenn eine Maschine das Bild erzeugt, fehlt die menschliche Schöpfung. Charles Baudelaire nannte die Fotografie 1859 die „Todfeindin der Kunst" und warnte vor ihrer Verbreitung. Die Gegenbewegung ließ nicht lange auf sich warten: Der Piktorialismus der Jahrhundertwende machte Fotografie so malerisch wie möglich – mit weichen Linsen, gezogenen Abzügen, handwerklicher Nachbearbeitung. Die Fotografen wollten zeigen, dass auch das Foto ein Kunstwerk sein kann. Den Durchbruch schaffte erst Alfred Stieglitz, der in seiner New Yorker Galerie 291 ab 1905 Fotografie und Malerei gleichwertig ausstellte – und damit einen institutionellen Präzedenzfall schuf, der noch heute wirkt.

Straight Photography und das Bild als Bild

In den 1920er Jahren wandte sich eine einflussreiche Strömung vom Piktorialismus ab: Die Straight Photography bestand auf der Unmittelbarkeit der Kamera. Edward Weston fotografierte Gemüse und Muschelschalen mit solcher formalen Präzision, dass sie zu abstrakten Skulpturen wurden. Ansel Adams entwickelte das Zone System zur kontrollierten Belichtung und hinterließ Landschaftsaufnahmen des amerikanischen Westens, die heute zu den höchstgehandelten Fotografien des 20. Jahrhunderts gehören. Die Botschaft beider war dieselbe: Das Foto braucht keine Malerei nachzuahmen – es hat eine eigene Bildsprache.

Dokumentarfotografie als Kunst

Die soziale Dokumentarfotografie verband Bildkunst und gesellschaftliche Wirkung. Dorothea Lange fotografierte 1936 die „Migrant Mother" – ein Bild, das zur Ikone der Großen Depression wurde. Henri Cartier-Bresson (1908–2004) prägte das Konzept des „entscheidenden Augenblicks": das Erkennen und Festhalten des Moments, in dem Form und Inhalt eines Vorgangs zu einem vollständigen Bild zusammenfallen. Cartier-Bresson war einer der Gründer der Agentur Magnum (1947), die Fotojournalismus und Kunstfotografie bis heute eng verbindet. Robert Franks Buch „The Americans" (1958) setzte einen neuen Standard: subjektiv, körnig, fragmentarisch – ein Blick, der nicht dokumentiert, sondern deutet.

Konzeptuelle und inszenierte Fotografie

In den 1970er und 1980er Jahren veränderte sich der Ansatz grundlegend: Statt die Welt zu fotografieren, schufen Künstlerinnen Szenarien für die Kamera. Cindy Sherman (*1954) verkleidete sich in endlosen Serien als Filmfiguren, Kunstgeschichtspersonen und gesellschaftliche Typen – ohne je ein Selbstporträt zu machen. Jeff Wall (*1946) inszeniert kinematografische Leuchtkästen, in denen banale Alltagssituationen zu mythischen Tableaus werden. Andreas Gursky (*1955) fotografiert globalisierte Räume – Börsenparkett, Supermarktregale, Konzerthallen – und bearbeitet sie digital zu hyperrealen Panoramen. Sein Werk „Rhein II" erzielte 2011 bei Christie's 4,3 Millionen Dollar – damals ein Weltrekord für eine Fotografie.

Fotografie auf dem Kunstmarkt

Kunstfotografie wird heute in Editionen verkauft – meistens 3 bis 10 nummerierte Abzüge pro Motiv, gelegentlich ergänzt durch Artist's Proofs. Die Edition begrenzt das Angebot und schafft damit Marktfähigkeit. Wichtig beim Kauf: Format, Papierwahl, Rahmung und Signatur sind entscheidend für Wert und Haltbarkeit. Museumsabzüge auf barythaltigem Papier können Jahrzehnte überdauern; billige Inkjetprints verblassen in wenigen Jahren. Zertifikate und lückenlose Provenienz gehören beim Kauf zeitgenössischer Fotografie zur Standardausstattung.

Fotografie heute

Die Grenze zwischen Fotografie und anderen Medien löst sich weiter auf: Wolfgang Tillmans (*1968) bewegt sich zwischen Reportage, Abstraktem und gesellschaftlichem Kommentar; Thomas Ruff (*1958) befragt in verschiedenen Werkgruppen die Bildcodes der Presse, des Internets und der Astronomie. Gleichzeitig demokratisiert das Smartphone die Fotografie so radikal wie das Daguerreotyp 1839 – und stellt dieselbe Frage neu: Was bedeutet es, ein gutes Bild zu machen, wenn jeder ein Bild machen kann?