Der Baum als Spiegel

In der abendländischen Malerei trägt der Baum seit Jahrhunderten mehr als sein eigenes Gewicht. Caspar David Friedrich (1774–1840) stellte Eichen als Symbole deutschen Geistes und vergangener Größe in seine Gemälde. Sein „Der einsame Baum" (1822, Alte Nationalgalerie Berlin) zeigt eine knorrige, an der Spitze bereits abgestorbene Eiche – fest verwurzelt und zugleich himmelwärts strebend, ein Vermittler zwischen Erde und Jenseits. Seine Bäume sind nie neutral – sie haben Haltung. Die japanische Ästhetik des Ukiyo-e sah das anders: Hokusais Kirschblüten und Hiroshiges Regenkiefern zeigen den Baum als Augenblick, als Wetter, als Licht. Diese Gegenüberstellung zieht sich durch die ganze Geschichte des Motivs: der Baum als Bedeutungsträger oder der Baum als reines Sehphänomen.

Mondrian: Wie ein Baum abstrakt wird

Piet Mondrian (1872–1944) hat in drei Gemälden vorgeführt, wie Beobachtung in Abstraktion kippt. „Der rote Baum" (1908/10) zeigt ein wucherndes Astwerk in expressivem Rot. „Grauer Baum" (1912) zerlegt dasselbe Motiv kubistisch: Die Äste werden zu Gitterstruktur. „Blühender Apfelbaum" (1912) geht noch weiter – fast vollständige Abstraktion, kaum noch Baum, nur noch Rhythmus. Die drei Bilder lassen sich als geschlossene Werkreihe lesen: ein Übergang vom Naturbild zum reinen Bildzeichen, der wenige Jahre später in Mondrians Wende zum Neoplastizismus mündete. Kein Schritt in der Geschichte der Abstraktion ist so nachvollziehbar dokumentiert wie dieser.

Das Baumporträt: Ein Motiv kehrt zurück

David Hockney (*1937) malt seit den 2000er-Jahren englische Heckenlandschaften und Einzelbäume in leuchtendem Acryl, zuletzt großformatig auf iPad. Seine Bilder zeigen die Jahreszeiten einer Eiche wie einen Zeitraffer in Farbe. Damit setzt er eine Tradition fort, die das digitale Werkzeug gleichwertig neben Pinsel und Leinwand behandelt. Seine Serie „The Arrival of Spring" (2011) umfasst 52 Ölgemälde und 51 iPad-Zeichnungen und hängt in der Royal Academy, London. Das Baumporträt – ein einzelner Baum als Individuum, nicht als Kulisse – ist damit ein etabliertes Genremotiv, das Sammler aus Landschaft und Botanik anzieht.

Pflanzen statt Malen: der Baum als Eingriff

Manche Künstler malen den Baum nicht mehr, sondern pflanzen ihn. Joseph Beuys (1921–1986) startete zur documenta 7 in Kassel 1982 sein Projekt „7000 Eichen – Stadtverwaldung statt Stadtverwaltung". Jede der 7000 gepflanzten Eichen erhielt einen eigenen Basaltstein als Gegenstück. Die letzte Eiche wurde erst 1987 zur Eröffnung der documenta 8 gesetzt – der Baum selbst wurde zum Kunstwerk, nicht sein Bild. Die Aktion war zunächst umstritten, gehört heute aber zum festen Bestandteil des Kasseler Stadtbilds. Anselm Kiefer (*1945) verfolgt einen ähnlichen Gedanken: Auf seinem Anwesen in Barjac, Südfrankreich, hat er Wälder wachsen lassen, die Teil seines Gesamtkunstwerks sind. Die deutsche Künstlerin Natascha Stellmach (*1970) geht den umgekehrten Weg und arbeitet mit verkohltem Holz und Asche – dem Baum nach dem Brand.

Was ein gutes Baumbild ausmacht

Ein Baum ist nie nur dekorativ – er entscheidet durch Jahreszeit, Licht und Standort, was das Bild sagt. Ein kahler Winterbaum und ein sommersatter Laubbaum desselben Künstlers können vollständig verschiedene Werke sein. Für Sammler gilt: Das Baumporträt ist ein Format, das Zeit braucht. Das gilt für die Tafelmalerei ebenso wie für die Zeichnung auf Papier. Auch die Wahl der Baumart selbst – Eiche, Birke, Pinie – trägt kulturelle Bedeutung in sich, auch wenn sie seltener bewusst eingesetzt wird als im 19. Jahrhundert. Es lohnt sich, länger davor zu stehen als vor dem schnellen Motiv.