Am Anfang: die Pferde der Eiszeit

Die Kunstgeschichte des Pferdes beginnt mit der Kunst selbst: In den eiszeitlichen Bildhöhlen von Chauvet und Lascaux gehören Wildpferde zu den häufigsten Motiven überhaupt – mit Kohle und Ockerfarben auf den Fels gesetzt, in Bewegung, mit fliehenden Mähnen, oft von verblüffender anatomischer Beobachtung. Warum die Menschen der Eiszeit gerade Pferde so beharrlich malten, ist umstritten – Jagdmagie, Mythos, Weltdeutung. Sicher ist nur: Das Pferd stand am Anfang des Bildermachens, Jahrtausende bevor es gezähmt wurde. Kein anderes Motiv verbindet die Gegenwart so direkt mit den ersten Bildern der Menschheit.

Das Pferd der Macht

Mit der Domestizierung wurde das Pferd zum Träger der Mächtigen – und die Kunst ritt mit. Das antike Reiterstandbild des Marc Aurel in Rom begründete eine Bildformel, die zwei Jahrtausende hielt: Wer auf dem Pferd sitzt, herrscht. Tizian malte Kaiser Karl V. nach der Schlacht hoch zu Ross, Velázquez die spanischen Könige, Jacques-Louis David schuf mit „Napoleon beim Überschreiten der Alpen" das vielleicht berühmteste Propagandabild der Kunstgeschichte – der Feldherr auf steigendem Schimmel, tatsächlich überquerte er den Pass auf einem Maultier. Das Reiterporträt zeigt selten ein Tier und immer eine Behauptung: Kontrolle über die stärkste Kraft, die der vormoderne Mensch kannte.

Stubbs: das Pferd als Hauptfigur

Dass ein Pferd selbst das Bild verdient – ohne Reiter, ohne Schlacht –, bewies im 18. Jahrhundert der Engländer George Stubbs. Er sezierte jahrelang Pferdekadaver für sein anatomisches Tafelwerk „The Anatomy of the Horse" (1766) und malte auf dieser Grundlage Pferdeporträts von nie gesehener Genauigkeit. Sein „Whistlejacket" (um 1762), ein steigender Hengst in Lebensgröße vor leerem Grund, ist reine Präsenz: kein Hintergrund, kein Besitzer, nur das Tier. In der Sportkunst des Rennplatzes und der Jagd wurde das Pferdeporträt zur eigenen Gattung – mit Stubbs als Maßstab, an dem sich Pferdemaler bis heute messen lassen müssen.

Bewegung: vom Irrtum der Maler zur Wahrheit der Kamera

Jahrhundertelang malte die Kunst galoppierende Pferde mit gestreckten Beinen, alle viere in der Luft – elegant und falsch. Die Wahrheit brachte 1878 die Fotografie: Eadweard Muybridge bewies mit seinen Serienaufnahmen, dass ein Pferd im Galopp die Beine unter dem Körper sammelt, wenn es vollständig abhebt. Die Bilderfolge veränderte nicht nur die Tiermalerei, sondern das Verhältnis von Kunst und Sichtbarkeit überhaupt: Es gibt Wirklichkeit, die nur die Kamera sieht. Die Malerei der Romantik hatte das bewegte Pferd zuvor zum Drama gesteigert – Géricaults Rennpferde, Delacroix' Schlachtengetümmel –, nun musste sie sich entscheiden: Genauigkeit der Kamera überlassen oder etwas zeigen, was diese nicht kann.

Marc: das blaue Pferd

Die Antwort der Moderne gab Franz Marc. Seine Pferde – blau, rot, gelb, in geschwungenen Linien zu Gruppen gerundet – geben keine Anatomie wieder, sondern ein Ideal: das Tier als reines, unschuldiges Wesen, dem sich der Mensch entfremdet hat. „Die großen blauen Pferde" (1911) und der seit 1945 verschollene „Turm der blauen Pferde" wurden zu Ikonen des Expressionismus und des Blauen Reiters – einer Künstlergruppe, die das Pferd schon im Namen trug. Mit Marc wurde das Pferdebild endgültig zum Seelenbild: Es zeigt nicht mehr Besitz oder Sport, sondern Sehnsucht nach einem unverstellten Verhältnis zur Kreatur.

Das Pferdebild heute

Auch nachdem das Pferd aus dem Alltag verschwunden ist, bleibt es eines der meistgewünschten Tiermotive – gerade weil es heute für das steht, was selten geworden ist: Kraft ohne Maschine, Bewegung ohne Motor, Beziehung ohne Worte. Auch die Kunst nach 1945 hat dem Motiv einen Klassiker hinzugefügt: Susan Rothenberg machte in den 1970er Jahren mit Pferdebildern an der Grenze zur Abstraktion Furore – die Umrissfigur des Tieres als Anlass reiner Malerei. Auch das Auftragsporträt des eigenen Pferdes hat eine lange Tradition – sie reicht, mit Stubbs gesprochen, bis in die Ställe des 18. Jahrhunderts zurück.