Vom göttlichen Maß zur religiösen Ausnahme

In der Antike galt der nackte menschliche Körper als Spiegel göttlicher Ordnung. Skulptur und Malerei feierten ihn als Ideal von Proportion und Schönheit – man denke an die Kanonfiguren des Polyklet, deren Maßverhältnisse als Inbegriff vollkommener Aktdarstellung galten. Das Mittelalter kehrte diese Sichtweise um: Nacktheit war nun überwiegend religiös-moralischen Zusammenhängen vorbehalten, etwa Darstellungen von Adam und Eva, der Taufe oder von Seligen und Verdammten im Jüngsten Gericht. Der Akt als eigenständiges, von religiöser Erzählung losgelöstes Bildthema existierte über Jahrhunderte schlicht nicht. Erst die Kunstakademien der Neuzeit etablierten die Aktstudie – das disziplinierte Zeichnen und Malen nach dem unbekleideten lebenden Modell – als feste Übung und Grundlage jeder figürlichen Darstellung. Diese Tradition der Aktzeichnung wirkt bis in die Ateliers der Gegenwart fort.

Die Renaissance und die Wiederentdeckung des Körpers

Mit der Renaissance traten neben diese christlichen Bildthemen zunehmend weltliche Motive, häufig nach antiken Vorbildern und mit mythologischer Bedeutung – etwa Darstellungen von Venus, Apollo oder den drei Grazien. Donatellos Bronzefigur des „David", um 1430 entstanden, gilt als die erste freistehende Aktfigur der Neuzeit. In der Folge wurde das Studium des nackten Körpers, etwa bei Leonardo da Vinci und Albrecht Dürer, zu einem zentralen Bestandteil künstlerischer Ausbildung. Das genaue Aktstudium nach dem lebenden Modell gehört bis heute zum festen Bestandteil der Kunstausbildung. Auch Rembrandt hinterließ in seinen Radierungen ungeschönte Aktstudien nach dem lebenden Modell. Sie grenzten sich bewusst von den idealisierten Körperbildern italienischer Zeitgenossen ab und lenkten den Blick auf reale, individuelle Körper.

Manets „Olympia": Vom Objekt zum Subjekt

Als Édouard Manet 1863 seine „Olympia" ausstellte, löste das Gemälde einen Skandal aus. Nicht die Nacktheit selbst sorgte für Aufruhr – mit der war das Pariser Publikum durchaus vertraut –, sondern der selbstbewusste, direkte Blick der Dargestellten. Symbole wie der Blumenstrauß, die Pantoffeln und der Schmuck machten unmissverständlich klar, dass es sich nicht um eine mythologische Heroin, sondern um eine Kurtisane handelte. Damit verschob Manet das Bild der Frau im Akt grundlegend: von einem passiven Betrachtungsobjekt hin zu einer Person, die den Blick des Betrachters selbstbewusst erwidert. Damit veränderte Manet nicht nur die Bildtradition der liegenden Aktfigur, sondern stellte grundsätzlich infrage, wem in der Aktmalerei die Rolle des betrachtenden und wem die des betrachteten Subjekts zukommt.

Lucian Freud: Der Körper ohne Beschönigung

Im 20. Jahrhundert brach der britische Maler Lucian Freud radikal mit der Tradition des idealisierten Akts. Seine Modelle – häufig Freunde, Familienmitglieder oder ihm nahestehende Menschen – malte er in oft ungewohnten Posen, mit schwerem Fleisch, Falten und unverstellter Haut, in dickem, fast plastisch aufgetragenem Farbauftrag. Statt Schönheit im klassischen Sinn suchte Freud nach Wahrhaftigkeit: Seine Akte wirken roh, direkt und von einer fast unbequemen Ehrlichkeit – ein Gegenentwurf zu Jahrhunderten geglätteter Körperideale. Auch die US-amerikanische Malerin Alice Neel widmete sich seit den 1930er-Jahren immer wieder dem Akt – darunter ungewöhnlich direkte Schwangerschaftsporträts – und stellte damit gängige Konventionen der Aktmalerei ihrer Zeit offen infrage.

Jenny Saville: Fleisch, Form und neue Körperbilder

Die britische Malerin Jenny Saville bezieht sich ausdrücklich auf Vorbilder wie Tizian, Rubens und Lucian Freud. Sie übersetzt diese Tradition in großformatige, oft monumentale Gemälde, die zwischen Idealisierung und Dekonstruktion des Körpers changieren. Ihre Figuren – meist üppig, fleischlich und von beinahe physischer Präsenz – stellen gängige Schönheitsnormen offen infrage und zeigen den Körper als etwas Eigenständiges, das sich dem bewertenden Blick entzieht. Wie Freud, Neel und Saville nähern sich auch jüngere Künstlerinnen und Künstler dem Akt unideologisch und beobachtend, fernab überkommener akademischer Schönheitsnormen. Sie setzen damit eine jahrhundertealte Tradition kritischer Körperbeobachtung auf eigene Weise fort.

Der Akt heute: vom Aktsaal zur Identitätsfrage

Die akademische Aktstudie – das Zeichnen oder Malen nach dem lebenden Modell – ist nach wie vor eine zentrale Übung der künstlerischen Ausbildung. Wie sehr sich der Blick auf den Körper seither erweitert hat, zeigte das Museum Brandhorst in München 2022/23 mit der von Patrizia Dander und Franziska Linhardt kuratierten Schau „Future Bodies from a Recent Past": Mehr als 100 Werke von rund 60 Künstlerinnen und Künstlern aus Europa, den USA und Japan untersuchten, wie technologische Umbrüche seit den 1950er-Jahren unsere Körperbilder verändert haben. Themen wie Geschlechtsidentität, Verletzlichkeit oder gesellschaftliche Norm und Abweichung treten neben die klassische Frage nach Schönheit und Proportion. Der Akt ist kein abgeschlossenes Thema: Mit jeder Körpernorm, die eine Gesellschaft neu verhandelt, öffnet sich auch die Frage, wie Körper gezeigt werden dürfen – und wer darüber entscheidet.